El surgimiento del cine
Antecedentes científicos y primeros estudios
El cine es un medio de comunicación cuyos primeros pasos en firme fueron dados en el siglo XIX, pero es desde muchos años atrás donde ubicamos sus orígenes.
En 1640 un sacerdote jesuita de origen alemán, Athanasius Kircher inventa la "linterna mágica", definida en 1727 de la siguiente manera por el abate Furetiére: "es un pequeño aparato de óptica que permite ver en la obscuridad; está compuesto por un espejo parabólico que refleja la luz de una vela, y que sale por el pequeño agujero de un tubo en cuyo extremo hay un cristal de anteojos. Entre dos de ellos se hace deslizar sucesivamente numerosos vidrios pequeños pintados con diversas figuras extraordinarias y terroríficas, las que se presentan en la pared opuesta con mayor volumen".
La ciencia y la filosofía siempre se han relacionado, pues ambas siempre han buscado, con más o menos acierto, cómo llevar a la realidad los sueños y anhelos del hombre, así como descifrar la realidad o realidades del mundo que nos rodea. Antes que los hermanos Lumiére hicieran sus primeras pruebas hubo todo un proceso de pequeñas conquistas encaminadas a descubrir un aparato que proyectara el movimiento.
Los antecedentes inmediatos del cine se encuentran en el siglo XIX y específicamente en dos ramas: la primera es aquella que estudió el fenómeno de la persistencia retiniana; y la segunda la que se refiere al desarrollo de la fotografía.
Cronológicamente estos son los hechos que, en su conjunto, dieron vida a uno de los medios de comunicación más fascinantes que existen: El Cine.
1823.- En Francia Nipcéfore Niépce logra obtener la primera fotografía con un material de baja sensibilidad, empleando una exposición de 8 horas.
1824.- En Inglaterra, el médico Peter Max Roget presenta su tesis acerca de la "Persistencia Retiniana".
1825.- Fitton y el Dr. Paris, en Inglaterra, construyen el TAUMATROPO basados en estudios anteriores sobre la persistencia de la visión. Consiste en un disco que tiene dibujado un objeto distinto en cada uno de sus lados, complementarios entre sí. Al girar rápidamente el disco de manera de ofrecer al espectador uno y otro lado en forma sucesiva los dos se superponen como consecuencia de la persistencia retiniana, de manera tal que se ve una sola imagen.
1840.- Aproximadamente para este año el tiempo de pose de las fotografías había disminuido ya a unos 20 minutos, gracias a la mayor sensibilidad de los negativos.
1851 a 1870.- Los sucesivos perfeccionamientos técnicos permiten la fotografía instantánea. Se hacen frecuentes las series en que se muestra a un personaje en distintas poses sucesivas.
En Austria (1853), Von Uchatius realiza proyecciones combinando dibujos y linterna mágica.
1872 a 1878.- Durante este periodo en California el inglés Muybridge inventa el ESTROBOSCOPIO, que consiste en una serie de 24 cámaras de colodión instaladas alrededor de una pista de caballos que mostraban las posiciones de los animales durante su marcha.
1882.- El fisiólogo francés Julio Marey inventa el FUSIL FOTOGRAFICO con el cual al accionar el gatillo tomaba 12 fotografías de forma sucesiva. Con este invento se emplea por primera vez el término "foto cronología".
1889.- Reynaud perfecciona su "Teatro Óptico", y habla de producir "verdaderas escenas animadas", es decir, conseguir la reproducción perfecta de un hecho.
1894.- En Estados Unidos, Edison y su ayudante Dickinson comienzan a explotar su más reciente invento: el KINETOSCOPIO, especie de cajón provisto de un visor a través del cual -previo depósito de una moneda- un observador podía contemplar el desarrollo de una brevísima película, unida en forma sinfín que se repetía constantemente.
1895.- En Francia, los hermanos Louis y Auguste Lumiére efectúan las primeras proyecciones públicas con el aparato de su invención: el CINEMATÓGRAFO.
La primera proyección de tipo experimental tuvo lugar en el mes de marzo en la sede de la Sociedad de Apoyo de la Industria Nacional, y es hasta el 28 de diciembre cuando llevan a cabo la primera exhibición pública, en el Nº 14 del Boulevard Des Capucines, en París.
El cine es un medio de comunicación cuyos primeros pasos en firme fueron dados en el siglo XIX, pero es desde muchos años atrás donde ubicamos sus orígenes.
En 1640 un sacerdote jesuita de origen alemán, Athanasius Kircher inventa la "linterna mágica", definida en 1727 de la siguiente manera por el abate Furetiére: "es un pequeño aparato de óptica que permite ver en la obscuridad; está compuesto por un espejo parabólico que refleja la luz de una vela, y que sale por el pequeño agujero de un tubo en cuyo extremo hay un cristal de anteojos. Entre dos de ellos se hace deslizar sucesivamente numerosos vidrios pequeños pintados con diversas figuras extraordinarias y terroríficas, las que se presentan en la pared opuesta con mayor volumen".
La ciencia y la filosofía siempre se han relacionado, pues ambas siempre han buscado, con más o menos acierto, cómo llevar a la realidad los sueños y anhelos del hombre, así como descifrar la realidad o realidades del mundo que nos rodea. Antes que los hermanos Lumiére hicieran sus primeras pruebas hubo todo un proceso de pequeñas conquistas encaminadas a descubrir un aparato que proyectara el movimiento.
Los antecedentes inmediatos del cine se encuentran en el siglo XIX y específicamente en dos ramas: la primera es aquella que estudió el fenómeno de la persistencia retiniana; y la segunda la que se refiere al desarrollo de la fotografía.
Cronológicamente estos son los hechos que, en su conjunto, dieron vida a uno de los medios de comunicación más fascinantes que existen: El Cine.
1823.- En Francia Nipcéfore Niépce logra obtener la primera fotografía con un material de baja sensibilidad, empleando una exposición de 8 horas.
1824.- En Inglaterra, el médico Peter Max Roget presenta su tesis acerca de la "Persistencia Retiniana".
1825.- Fitton y el Dr. Paris, en Inglaterra, construyen el TAUMATROPO basados en estudios anteriores sobre la persistencia de la visión. Consiste en un disco que tiene dibujado un objeto distinto en cada uno de sus lados, complementarios entre sí. Al girar rápidamente el disco de manera de ofrecer al espectador uno y otro lado en forma sucesiva los dos se superponen como consecuencia de la persistencia retiniana, de manera tal que se ve una sola imagen.
1840.- Aproximadamente para este año el tiempo de pose de las fotografías había disminuido ya a unos 20 minutos, gracias a la mayor sensibilidad de los negativos.
1851 a 1870.- Los sucesivos perfeccionamientos técnicos permiten la fotografía instantánea. Se hacen frecuentes las series en que se muestra a un personaje en distintas poses sucesivas.
En Austria (1853), Von Uchatius realiza proyecciones combinando dibujos y linterna mágica.
1872 a 1878.- Durante este periodo en California el inglés Muybridge inventa el ESTROBOSCOPIO, que consiste en una serie de 24 cámaras de colodión instaladas alrededor de una pista de caballos que mostraban las posiciones de los animales durante su marcha.
1882.- El fisiólogo francés Julio Marey inventa el FUSIL FOTOGRAFICO con el cual al accionar el gatillo tomaba 12 fotografías de forma sucesiva. Con este invento se emplea por primera vez el término "foto cronología".
1889.- Reynaud perfecciona su "Teatro Óptico", y habla de producir "verdaderas escenas animadas", es decir, conseguir la reproducción perfecta de un hecho.
1894.- En Estados Unidos, Edison y su ayudante Dickinson comienzan a explotar su más reciente invento: el KINETOSCOPIO, especie de cajón provisto de un visor a través del cual -previo depósito de una moneda- un observador podía contemplar el desarrollo de una brevísima película, unida en forma sinfín que se repetía constantemente.
1895.- En Francia, los hermanos Louis y Auguste Lumiére efectúan las primeras proyecciones públicas con el aparato de su invención: el CINEMATÓGRAFO.
La primera proyección de tipo experimental tuvo lugar en el mes de marzo en la sede de la Sociedad de Apoyo de la Industria Nacional, y es hasta el 28 de diciembre cuando llevan a cabo la primera exhibición pública, en el Nº 14 del Boulevard Des Capucines, en París.
El periodo de nacimiento del cine, concretamente lo que se conoce como "época muda", son años duros en Europa y América. La época del predominio colonial europeo finaliza, y el cine se presenta, más como un gran espectáculo -una novedad de feria-, que como un arte.
Para 1911 un hombre, Riccioto Canudo señalaba ya que "el cine podía y debía ser un maravilloso instrumento de nuevo lirismo". En su "Manifiesto de las Siete Artes" expresa que este medio "es un arte nacido para ser la representación total del espíritu y del cuerpo, un drama visual hecho con imágenes, pintado con pinceles de luces". "El cine, multiplicando las posibilidades de expresión a través de la imagen, permite un lenguaje universal. El nuevo medio de expresión debe reconducir toda la figuración de la vida hacia la fuente de cada emoción, buscando la vida misma a través del movimiento".
"En una serie de reflexiones, Canudo habla del papel que juega la naturaleza, que no debe ser simplemente decorativa, sino un elemento apto para fundirse con el sentido del film y con sus actores, al igual que el escritor que se reviste de la personalidad de sus personajes, debe expresar imágenes humanas".
En la década de los veinte el cine comenzó a ser objeto de estudios teóricos que trataban de analizar los fundamentos y características estéticas de este nuevo arte. En Francia, Louis Delluc, realizador, crítico y teórico de este medio señala cuatro elementos esenciales en el lenguaje cinematográfico:
a) EL DECORADO; es decir el espacio interior o exterior dentro del cual se desenvuelven los actores.
b) LA LUZ; ya sea natural o artificial, que nos otorga la posibilidad de brindar una adecuada ambientación.
c) LA CADENCIA, o ritmo de las escenas.
d) LA MASCARA; es decir el personaje, ya sea real o interpretado por un actor.
En Hungría el teórico Bela Balasz afirma que la alteración de la distancia hasta un "primer plano" otorga mayor fuerza expresiva y una nueva dimensión llena de sutilezas al rostro.
A la vez señala tres elementos que para él hacen del cine un arte:
1. La utilización del "primer plano".
2. Un correcto "encuadre" y angulación de la cámara.
3. El montaje; entendiéndolo también como el proceso asociativo entre las distintas tomas.
En 1917 en Rusia las tropas comandadas por Lenin habían acabado con el régimen zarista de Nicolás II y habían instaurado un nuevo tipo de gobierno, el antiguo Imperio Ruso se transformó en la Unión de Repúblicas Soviéticas Socialistas (U.R.S.S.).
Esta situación influyó en uno de sus más grandes realizadores, Dziga Vertov, "el padre del cine documental", quien "siempre sostuvo que la cámara era el medio ideal para registrar la realidad. Sus reportajes fueron verdaderas interpretaciones de la realidad soviética".
"Introdujo por primera vez en el cine la entrevista filmada, la cual constituirá la base del "cine verdad"; asimismo introdujo gran número de nuevas formas y estructuras entre las que destaca la toma de sonido directo".
El cine ya no era el mismo que conocieran los hermanos Lumiére, ahora, con las aportaciones de Louis Delluc, Riccioto Canudo y Bela Balasz el lenguaje cinematográfico se enriquecía, ahora se hablaba del decorado, la luz, la cadencia y la máscara como elementos esenciales; dentro de los códigos estéticos y visuales se le otorgaba importancia al "primer plano", y en la Unión Soviética, con Dziga Vertov nacía el "cine verdad".
En este mismo país un compatriota de Vertov, Sergio M. Eisenstein declara acerca del cine que "la finalidad del arte es hacer claro el conflicto de la existencia, para promover análogo conflicto en el espectador, y que dicha función se traslada a la esencia de la creación artística constituida por el conflicto entre la existencia espontánea y el impulso creador, entre la inercia orgánica y la iniciativa dirigida a un fin".
"En el plano cinematográfico, lleva esta noción al análisis del montaje, diciendo que este no deriva de un proceso puramente mecánico (unión de distintos trozos de película) sino que es generado por el conflicto entre una imagen y la imagen subsiguiente".
Los cuatro conflictos peculiares de la forma cinematográfica para Eisenstein son:
1. Entre los objetos (personajes, ambientes, etc.) y el ángulo de toma (posición de la cámara con respecto a los objetos).
2. Entre los objetos y su naturaleza espacial (deformaciones ópticas producidas por la perspectiva, el carácter plano de la fotografía y la
diferencia angular entre los distintos objetivos).
3. Entre un objeto real y su duración cinematográfica (por el ralentí y el acelerado).
4. Y finalmente el conflicto entre la imagen y el sonido.
Eisenstein constituye un caso único; no solo ha dirigido cine, sino que también es autor de varios libros que constituyen verdaderas joyas acerca del estudio de este medio como: "El Sentido del Cine", "La Forma en el Cine", y varios ensayos y artículos en los que se abren nuevos caminos y plantea nuevas interrogantes para la investigación.
Como puede apreciarse, el camino recorrido para que en la actualidad podamos disfrutar una obra cinematográfica en la comodidad de un cine ha sido largo y lleno de descubrimientos, de alegrías y sinsabores, de triunfos y de fracasos; pero sobre todo ha estado rodeado de magia y encanto, de creatividad y arduo trabajo por parte de estos hombres; los creadores del pasaporte al mundo del séptimo arte
Para 1911 un hombre, Riccioto Canudo señalaba ya que "el cine podía y debía ser un maravilloso instrumento de nuevo lirismo". En su "Manifiesto de las Siete Artes" expresa que este medio "es un arte nacido para ser la representación total del espíritu y del cuerpo, un drama visual hecho con imágenes, pintado con pinceles de luces". "El cine, multiplicando las posibilidades de expresión a través de la imagen, permite un lenguaje universal. El nuevo medio de expresión debe reconducir toda la figuración de la vida hacia la fuente de cada emoción, buscando la vida misma a través del movimiento".
"En una serie de reflexiones, Canudo habla del papel que juega la naturaleza, que no debe ser simplemente decorativa, sino un elemento apto para fundirse con el sentido del film y con sus actores, al igual que el escritor que se reviste de la personalidad de sus personajes, debe expresar imágenes humanas".
En la década de los veinte el cine comenzó a ser objeto de estudios teóricos que trataban de analizar los fundamentos y características estéticas de este nuevo arte. En Francia, Louis Delluc, realizador, crítico y teórico de este medio señala cuatro elementos esenciales en el lenguaje cinematográfico:
a) EL DECORADO; es decir el espacio interior o exterior dentro del cual se desenvuelven los actores.
b) LA LUZ; ya sea natural o artificial, que nos otorga la posibilidad de brindar una adecuada ambientación.
c) LA CADENCIA, o ritmo de las escenas.
d) LA MASCARA; es decir el personaje, ya sea real o interpretado por un actor.
En Hungría el teórico Bela Balasz afirma que la alteración de la distancia hasta un "primer plano" otorga mayor fuerza expresiva y una nueva dimensión llena de sutilezas al rostro.
A la vez señala tres elementos que para él hacen del cine un arte:
1. La utilización del "primer plano".
2. Un correcto "encuadre" y angulación de la cámara.
3. El montaje; entendiéndolo también como el proceso asociativo entre las distintas tomas.
En 1917 en Rusia las tropas comandadas por Lenin habían acabado con el régimen zarista de Nicolás II y habían instaurado un nuevo tipo de gobierno, el antiguo Imperio Ruso se transformó en la Unión de Repúblicas Soviéticas Socialistas (U.R.S.S.).
Esta situación influyó en uno de sus más grandes realizadores, Dziga Vertov, "el padre del cine documental", quien "siempre sostuvo que la cámara era el medio ideal para registrar la realidad. Sus reportajes fueron verdaderas interpretaciones de la realidad soviética".
"Introdujo por primera vez en el cine la entrevista filmada, la cual constituirá la base del "cine verdad"; asimismo introdujo gran número de nuevas formas y estructuras entre las que destaca la toma de sonido directo".
El cine ya no era el mismo que conocieran los hermanos Lumiére, ahora, con las aportaciones de Louis Delluc, Riccioto Canudo y Bela Balasz el lenguaje cinematográfico se enriquecía, ahora se hablaba del decorado, la luz, la cadencia y la máscara como elementos esenciales; dentro de los códigos estéticos y visuales se le otorgaba importancia al "primer plano", y en la Unión Soviética, con Dziga Vertov nacía el "cine verdad".
En este mismo país un compatriota de Vertov, Sergio M. Eisenstein declara acerca del cine que "la finalidad del arte es hacer claro el conflicto de la existencia, para promover análogo conflicto en el espectador, y que dicha función se traslada a la esencia de la creación artística constituida por el conflicto entre la existencia espontánea y el impulso creador, entre la inercia orgánica y la iniciativa dirigida a un fin".
"En el plano cinematográfico, lleva esta noción al análisis del montaje, diciendo que este no deriva de un proceso puramente mecánico (unión de distintos trozos de película) sino que es generado por el conflicto entre una imagen y la imagen subsiguiente".
Los cuatro conflictos peculiares de la forma cinematográfica para Eisenstein son:
1. Entre los objetos (personajes, ambientes, etc.) y el ángulo de toma (posición de la cámara con respecto a los objetos).
2. Entre los objetos y su naturaleza espacial (deformaciones ópticas producidas por la perspectiva, el carácter plano de la fotografía y la
diferencia angular entre los distintos objetivos).
3. Entre un objeto real y su duración cinematográfica (por el ralentí y el acelerado).
4. Y finalmente el conflicto entre la imagen y el sonido.
Eisenstein constituye un caso único; no solo ha dirigido cine, sino que también es autor de varios libros que constituyen verdaderas joyas acerca del estudio de este medio como: "El Sentido del Cine", "La Forma en el Cine", y varios ensayos y artículos en los que se abren nuevos caminos y plantea nuevas interrogantes para la investigación.
Como puede apreciarse, el camino recorrido para que en la actualidad podamos disfrutar una obra cinematográfica en la comodidad de un cine ha sido largo y lleno de descubrimientos, de alegrías y sinsabores, de triunfos y de fracasos; pero sobre todo ha estado rodeado de magia y encanto, de creatividad y arduo trabajo por parte de estos hombres; los creadores del pasaporte al mundo del séptimo arte
Del cine sonoro a la animación digital
Si bien el mundo presenció en 1895 el nacimiento del cine no sería sino hasta 1926 cuando las personas enmudecieran de asombro al presenciar la primera película de largometraje parcialmente sonorizada, «Don Juan».
Los primeros intentos los realizó en 1905 Henri Joly y el fotógrafo Mendel, en Francia, quienes patentaron un aparato para la grabación eléctrica del sonido sobre la misma película del film. Hay que recordar también que en la Exposición Universal de París, cinco años antes (1900) ya se había presentado un sistema que sincronizaba de forma más o menos aceptable las imágenes de un proyector con los diálogos de un fonógrafo.
Para mediados de la década de los veinte la industria cinematográfica contaba ya con los medios necesarios para la producción del cine sonoro, sin embargo por presiones diversas y el miedo a no recuperar la gran inversión que este tipo de cintas requería se le tenía relegado.
Cosa curiosa, Warner Brothers una compañía al borde de la quiebra, en un último y desesperado intento por no perderlo todo irrumpió en 1926 con el cine parcialmente sonoro con la cinta «Don Juan», y un año después contando con la voz de Al Jolson se anotarían otro éxito con «El Cantante de Jazz» (The Jazz Singer)», utilizando el sonido solamente para las canciones. El éxito fue extraordinario.
En escasos dos años los principales estudios de Hollywood (Universal, Paramount, 20th. Century Fox, Metro Goldwyn Mayer y Warner Brothers) produjeron más de 500 películas de largometraje de las cuales 289 eran sonoras siendo la primera cinta completamente sonora la producción «Luces de Nueva York», dirigida en 1928 por Bryan Foy. Una nueva estrella había nacido en el firmamento cinematográfico: EL SONIDO.
¿Y qué pasa con las cintas a color?
La primera patente para un sistema fotográfico a color data de 1868 y se debe a Ducos du Hauron.
La primera película en donde cada cuadro fue pintado a mano se realizó en el estudio de Edison en 1894. Consistía en aproximadamente 30 pies de cinta que se tituló «La Bailarina Annabel»; una joven bailarina de Broadway iba vestida con largos velos blancos iluminados por luces de diferentes colores que hacían resaltar su figura y los objetos que la rodeaban.
Alrededor de 1908 las películas a color seguían utilizando el mismo proceso de coloración a mano; otro método consistía en exponer la cinta alternando en la cámara filtros rojos y verdes y proyectando la película de la misma forma. Este método resultó insatisfactorio porque la falta de luz en los filtros producía alteración en los tonos.
Para 1933 de la mano del genio de Walt Disney apareció en las pantallas el primer cortometraje animado en color, «Árboles y Flores».
Para 1935 los grandes laboratorios fotográficos como KODAK y AGFA se interesaron en los experimentos para procesar películas a color que habían sido utilizados desde 1908 por R. Fischer, y desarrollaron un tipo de película sensible los colores primarios, el resultado son las películas AGFACHROME y KODACHROME que comenzaron a utilizarse en la industria cinematográfica con grandes resultados, siendo la primera película a color «Becky Sharp», dirigida este mismo año por Rouben Mamoulian.
Cuatro años más tarde (1939) el cine en el ámbito mundial sería conquistado por la superproducción «Lo que el Viento se Llevó (Gone with the wind, Víctor Fleming)», filmada totalmente a color.
Otras cinematografías como la rusa y la japonesa también lo utilizaron abundantemente a partir de esa época. El cine ruso en color (sovcolor) fue considerado el mejor por la perfección de los resultados obtenidos.
Poco a poco el público fue adaptándose a este nuevo cambio, y en unos cuantos años el color se integró al cine como parte fundamental de las producciones.
Como se ha visto, a lo largo de su existencia el cine ha ido incorporando elementos de diversas disciplinas para estructurar su propio lenguaje: de la literatura se ha servido para encontrar historias y adaptarlas a la pantalla grande, del teatro tomó el aspecto escénico, de la pintura y la fotografía la perspectiva, el encuadre y la profundidad; y ahora ha incorporado un nuevo elemento que hace apenas 10 o 15 años solo unos cuantos tenían los recursos para ofrecer: los efectos digitales y la realidad virtual.
Todo comenzó con la cinta de George Lucas «La Guerra de las Galaxias» de 1977 donde este joven director revolucionó al mundo del séptimo arte con la incorporación de unos impresionantes efectos especiales generados por el incipiente laboratorio "ILM" (Industrial Light & Magic), hoy en día la empresa más importante en este ramo junto con Digital Domain, propiedad del canadiense James Cameron.
De aquí en adelante los laboratorios "ILM" serían los responsables de cintas como «El Imperio Contraataca» (1980), «Poltergeist» y «E.T. el Extraterrestre» (1982), «El Regreso del Jedi», (1983) y un largo etcétera.
En 1982 se marcaría también el inicio de la incorporación de la "realidad virtual" en el cine con la cinta de Steven Lisberg «Tron», generando diversos comentarios acerca de los deslumbrantes efectos visuales presentados por los estudios Disney.
«El Secreto de la Pirámide» (1985) sería la primera cinta en incluir un personaje generado completamente por computadora, se trataba de un caballero de vidrio; cuatro años más tarde James Cameron dirigió «El Secreto del Abismo» en donde un singular seudópodo transparente sería la figura principal en la entrega de los premios "Oscar", llevándose la estatuilla.
En «El Vengador del Futuro» (1990), Arnold Schwarzenegger es acompañado en sus aventuras por un impresionante despliegue de efectos visuales; y un año después en «Terminator II: Juicio Final», el cyborg T-1000 se convertiría en el primer personaje generado por computadora basado en un ser humano (Robert Patrick); y en 1992 se marcaría todo un nuevo concepto en animación al estrenarse «El Jardinero: Asesino Inocente», primera película donde la realidad virtual es la verdadera e indiscutible estrella..., 10 años después de «Tron» este innovador concepto por fin encontraba el momento indicado para incorporarse en el gusto del público.
Steven Spielberg y los laboratorios "ILM" se anotarían un éxito impresionante con «Parque Jurásico (Jurassic Park)» (1993) en donde, como nunca antes, fue posible dar vida a enormes animales prehistóricos cuya piel era casi posible tocarla; sin embargo, no sería sino hasta el estreno de «La Máscara (The Mask)» un año después donde la magia de la cosmetología digital se vuelve loca, manipulando al actor Jim Carrey como una verdadera caricatura humana.
Y qué decir de «Casper» (1995), donde Christina Ricci es compañera de una creación parlante de principio a fin, o en el mismo caso, Dennis Quaid, compañero de Draco, la estrella de «Corazón de Dragón», una criatura tridimensional con los gestos y facciones de Sean Connery compuesta por más de 280 mil vértices de control que conforman un dragón impresionantemente bello.
Sin embargo; mientras que en «Parque Jurásico» la animación digital solo ocupa seis minutos y medio en la pantalla, y en «Casper» las estrellas digitales aparecen 40 minutos, en «Toy Story» (1995) dirigida por John Lasseter se presentan al espectador 77 minutos salidos absolutamente de una computadora, utilizando equipo silicón graphics, software caps de Pixar y siendo editada en 300 estaciones sparc de Sun Microsystems, algo completamente inusitado que marcaría todo un precedente en la historia de la cinematografía al ser la primera cinta enteramente digital, técnica utilizada tres años más tarde (1998) para las producciones «Hormiguita Z (Ant Z)», cortesía de la división de animación de los estudios Dreamworks SKG y «Bichos (A Bugs Life)», de Disney y Pixar Animation, películas enteramente elaboradas en computadora.
Cerca del año 2000 una estrella nació y se consolidó en el mundo del séptimo arte: los efectos digitales.
Si bien el mundo presenció en 1895 el nacimiento del cine no sería sino hasta 1926 cuando las personas enmudecieran de asombro al presenciar la primera película de largometraje parcialmente sonorizada, «Don Juan».
Los primeros intentos los realizó en 1905 Henri Joly y el fotógrafo Mendel, en Francia, quienes patentaron un aparato para la grabación eléctrica del sonido sobre la misma película del film. Hay que recordar también que en la Exposición Universal de París, cinco años antes (1900) ya se había presentado un sistema que sincronizaba de forma más o menos aceptable las imágenes de un proyector con los diálogos de un fonógrafo.
Para mediados de la década de los veinte la industria cinematográfica contaba ya con los medios necesarios para la producción del cine sonoro, sin embargo por presiones diversas y el miedo a no recuperar la gran inversión que este tipo de cintas requería se le tenía relegado.
Cosa curiosa, Warner Brothers una compañía al borde de la quiebra, en un último y desesperado intento por no perderlo todo irrumpió en 1926 con el cine parcialmente sonoro con la cinta «Don Juan», y un año después contando con la voz de Al Jolson se anotarían otro éxito con «El Cantante de Jazz» (The Jazz Singer)», utilizando el sonido solamente para las canciones. El éxito fue extraordinario.
En escasos dos años los principales estudios de Hollywood (Universal, Paramount, 20th. Century Fox, Metro Goldwyn Mayer y Warner Brothers) produjeron más de 500 películas de largometraje de las cuales 289 eran sonoras siendo la primera cinta completamente sonora la producción «Luces de Nueva York», dirigida en 1928 por Bryan Foy. Una nueva estrella había nacido en el firmamento cinematográfico: EL SONIDO.
¿Y qué pasa con las cintas a color?
La primera patente para un sistema fotográfico a color data de 1868 y se debe a Ducos du Hauron.
La primera película en donde cada cuadro fue pintado a mano se realizó en el estudio de Edison en 1894. Consistía en aproximadamente 30 pies de cinta que se tituló «La Bailarina Annabel»; una joven bailarina de Broadway iba vestida con largos velos blancos iluminados por luces de diferentes colores que hacían resaltar su figura y los objetos que la rodeaban.
Alrededor de 1908 las películas a color seguían utilizando el mismo proceso de coloración a mano; otro método consistía en exponer la cinta alternando en la cámara filtros rojos y verdes y proyectando la película de la misma forma. Este método resultó insatisfactorio porque la falta de luz en los filtros producía alteración en los tonos.
Para 1933 de la mano del genio de Walt Disney apareció en las pantallas el primer cortometraje animado en color, «Árboles y Flores».
Para 1935 los grandes laboratorios fotográficos como KODAK y AGFA se interesaron en los experimentos para procesar películas a color que habían sido utilizados desde 1908 por R. Fischer, y desarrollaron un tipo de película sensible los colores primarios, el resultado son las películas AGFACHROME y KODACHROME que comenzaron a utilizarse en la industria cinematográfica con grandes resultados, siendo la primera película a color «Becky Sharp», dirigida este mismo año por Rouben Mamoulian.
Cuatro años más tarde (1939) el cine en el ámbito mundial sería conquistado por la superproducción «Lo que el Viento se Llevó (Gone with the wind, Víctor Fleming)», filmada totalmente a color.
Otras cinematografías como la rusa y la japonesa también lo utilizaron abundantemente a partir de esa época. El cine ruso en color (sovcolor) fue considerado el mejor por la perfección de los resultados obtenidos.
Poco a poco el público fue adaptándose a este nuevo cambio, y en unos cuantos años el color se integró al cine como parte fundamental de las producciones.
Como se ha visto, a lo largo de su existencia el cine ha ido incorporando elementos de diversas disciplinas para estructurar su propio lenguaje: de la literatura se ha servido para encontrar historias y adaptarlas a la pantalla grande, del teatro tomó el aspecto escénico, de la pintura y la fotografía la perspectiva, el encuadre y la profundidad; y ahora ha incorporado un nuevo elemento que hace apenas 10 o 15 años solo unos cuantos tenían los recursos para ofrecer: los efectos digitales y la realidad virtual.
Todo comenzó con la cinta de George Lucas «La Guerra de las Galaxias» de 1977 donde este joven director revolucionó al mundo del séptimo arte con la incorporación de unos impresionantes efectos especiales generados por el incipiente laboratorio "ILM" (Industrial Light & Magic), hoy en día la empresa más importante en este ramo junto con Digital Domain, propiedad del canadiense James Cameron.
De aquí en adelante los laboratorios "ILM" serían los responsables de cintas como «El Imperio Contraataca» (1980), «Poltergeist» y «E.T. el Extraterrestre» (1982), «El Regreso del Jedi», (1983) y un largo etcétera.
En 1982 se marcaría también el inicio de la incorporación de la "realidad virtual" en el cine con la cinta de Steven Lisberg «Tron», generando diversos comentarios acerca de los deslumbrantes efectos visuales presentados por los estudios Disney.
«El Secreto de la Pirámide» (1985) sería la primera cinta en incluir un personaje generado completamente por computadora, se trataba de un caballero de vidrio; cuatro años más tarde James Cameron dirigió «El Secreto del Abismo» en donde un singular seudópodo transparente sería la figura principal en la entrega de los premios "Oscar", llevándose la estatuilla.
En «El Vengador del Futuro» (1990), Arnold Schwarzenegger es acompañado en sus aventuras por un impresionante despliegue de efectos visuales; y un año después en «Terminator II: Juicio Final», el cyborg T-1000 se convertiría en el primer personaje generado por computadora basado en un ser humano (Robert Patrick); y en 1992 se marcaría todo un nuevo concepto en animación al estrenarse «El Jardinero: Asesino Inocente», primera película donde la realidad virtual es la verdadera e indiscutible estrella..., 10 años después de «Tron» este innovador concepto por fin encontraba el momento indicado para incorporarse en el gusto del público.
Steven Spielberg y los laboratorios "ILM" se anotarían un éxito impresionante con «Parque Jurásico (Jurassic Park)» (1993) en donde, como nunca antes, fue posible dar vida a enormes animales prehistóricos cuya piel era casi posible tocarla; sin embargo, no sería sino hasta el estreno de «La Máscara (The Mask)» un año después donde la magia de la cosmetología digital se vuelve loca, manipulando al actor Jim Carrey como una verdadera caricatura humana.
Y qué decir de «Casper» (1995), donde Christina Ricci es compañera de una creación parlante de principio a fin, o en el mismo caso, Dennis Quaid, compañero de Draco, la estrella de «Corazón de Dragón», una criatura tridimensional con los gestos y facciones de Sean Connery compuesta por más de 280 mil vértices de control que conforman un dragón impresionantemente bello.
Sin embargo; mientras que en «Parque Jurásico» la animación digital solo ocupa seis minutos y medio en la pantalla, y en «Casper» las estrellas digitales aparecen 40 minutos, en «Toy Story» (1995) dirigida por John Lasseter se presentan al espectador 77 minutos salidos absolutamente de una computadora, utilizando equipo silicón graphics, software caps de Pixar y siendo editada en 300 estaciones sparc de Sun Microsystems, algo completamente inusitado que marcaría todo un precedente en la historia de la cinematografía al ser la primera cinta enteramente digital, técnica utilizada tres años más tarde (1998) para las producciones «Hormiguita Z (Ant Z)», cortesía de la división de animación de los estudios Dreamworks SKG y «Bichos (A Bugs Life)», de Disney y Pixar Animation, películas enteramente elaboradas en computadora.
Cerca del año 2000 una estrella nació y se consolidó en el mundo del séptimo arte: los efectos digitales.
Bibliografía
“El séptimo arte. Un acercamiento a la cinematografía”.
Guadalajara, Jalisco, México
SEP – INDAUTOR.
Autor: Moreno Álvarez, Jorge
Título: El séptimo arte. Un acercamiento a la cinematografía
Rama: Compilación de datos
Titular: Moreno Álvarez, Jorge
Nº Registro: 03-2000-012710281400-01
México D.F., a 9 de marzo de 2000
Sufragio efectivo, no reelección
La directora de registro: Elodia García Barajas
Guadalajara, Jalisco, México
SEP – INDAUTOR.
Autor: Moreno Álvarez, Jorge
Título: El séptimo arte. Un acercamiento a la cinematografía
Rama: Compilación de datos
Titular: Moreno Álvarez, Jorge
Nº Registro: 03-2000-012710281400-01
México D.F., a 9 de marzo de 2000
Sufragio efectivo, no reelección
La directora de registro: Elodia García Barajas